Capelli beffardi, sguardo smaliziato, sorriso ironico. È nato nel 1973 e vive a Ronciglione – Lazio - Italia. Tra i linguaggi di riferimento il fumetto, la musica, l’arte, nello specifico il fumetto underground, la musica psichedelica, la Pop Art, il Neopop e la Street Art. Marco Petruccelli mostra subito, a chi guarda, i suoi maestri facilmente riconoscibili Andy Warhol, Lichtenstein e Basquiat. Ma le suggestioni derivate da questo universo espressivo, nelle sue opere scoprono nuove e diverse valenze. Il citazionismo e l’uso di linguaggi urbani trovano uno spazio inconsueto, si confrontano con un ambiente meno assordante rispetto a quello cittadino in cui sono nati, e ampliano il proprio potenziale comunicativo accostandosi a un codice sempre più condiviso. Lo si vede in maniera particolare nei pannelli dedicati al “settore alimentare”dove si assiste all’esaltazione di un cibo tipicamente italiano e genuino come la “fiorentina” trattato alla maniera del famoso Campbell’s Soup. Nell’opera Bellezza invece, al contrario della Marylin Warholiana, non è l’icona a prevalere, ma la citazione. Lì la dilatazione della figura mitica o la sua ripetizione sottolineano l’invadenza dell’immagine in una società fondata sulla quantità, qui la diva perde la sua unicità, è appena riconoscibile dalle labbra sensualissime, ma di lei non rimane che un contorno scarnificato. Lo sfondo non è più un colore acido e compatto, ma sono ritagli di “terze pagine” che irrompono e creano un senso, inseriscono la figura all’interno della cultura popolare italiana come segno e non come eccezione.

Sopra a tutto campeggia il gusto del divertimento, ripescando la formula spenceriana dell’arte come gioco, l’artista celebra la propria fantasia e la trovata sagace, ne è un esempio la segnalazione, accanto alla ricetta tradizionale degli spaghetti al pomodoro, delle istruzioni per la stampa in quadricromia. L’arte culinaria e l’arte della stampa si affiancano in un dialogo continuo tra elementi a prima vista disparati. L’attenzione e la ricerca sul linguaggio sono evidenti nei pannelli d’arredo in cui il lavoro si concentra sulla texture, piccole immagini che inserite ripetutamente in senso orizzontale o verticale creano uno sfondo uniforme. Tipicamente usata in ambiente grafico per coprire superfici, qui la texture si assolutizza e occupa l’intero spazio della tela abbandonando la sua funzione riempitiva e diventando soggetto. Altrove il trattamento di un singolo font opportunamente variato crea una storia.

L’infinito serbatoio di internet diventa la base di un immaginario tipicamente contemporaneo che riassemblato e rieditato ci viene restituito come oggetto.

Un melting pot che non può fare a meno del gusto bidimensionale e compositivo del fumetto, della commistione di tecniche estraniate dal proprio contesto e uniformate dalla computer grafica. Ventitré pezzi derivati da centosessanta bozze suddivise in quarantotto concept diversi, tutto in digitale, disegnato a mano con la tavoletta grafica stampato su tela e ritoccato a pennello in cui l’artista manipola i diversi materiali per poter dire che tutto ciò che riguarda l’immagine si risolve all’interno dell’immagine stessa.

Francesca Mordacchini Alfani

Cosa ci sia di colorato in un sogno lo sanno solo gli artisti. Quelli veri
abitano lunghe gallerie buie illuminate solo dai ebili bagliori delle
loro coscienze umane.
Attaccate alle pareti di questi luoghi angusti ci sono tele meravigliose
dipinte con cibo, sudore, e autonoma voglia di esistere. Qui i colori
corrono veloci come pensieri, non esistono pennelli ma solo dita e
tutto ciò che la mente pensa la mano crea. Gli anni passano e gli
inquilini cambiano. C’è una confusione disarmante. Ognuno che se
ne va lascia qualcosa. C’è odore di ocra e terra; olii e pantoni sono
accatastati ovunque nei pressi di fontane di acquerelli. Il classico si
mischia col nuovo.
E le avanguardie fanno a cazzotti con chiunque per guadagnarsi un
minuto al sole della fama. Ci si spinge lontano da queste parti perché
tutto è concesso per il ne ultimo. E’ il posto in cui si immagina di
tutto perché tutto è arte istantanea. Le idee e gli artisti si incontrano
a tavoli immensi dove tra vino e donne partoriscono il mondo nuovo.
Ad uno più piccolo stanno tre signori. Un nero molto bello, uno
strano ed attempato dai capelli oramai bianchi e un tizio italiano che
a dispetto del suo nome di pazienza sembra averne davvero poca.
Sono ubriachi e probabilmente molto altro. Bevono un vino che si
chiama Pop, Il ragazzo che li serve è amico mio. Da un po’ di tempo
oramai approtta
dei loro stravizi e gli ruba di tutto.
Che sia questo il modo per pagarsi l’atto in questa galleria ?
Luca Verduchi

LA PERSONALE RIMARRA’ ALLESTITA SINO AL GIORNO 4 OTTOBRE

orari di apertura: lunedì venerdì 17:00 - 20:00

il sabato e la domeica è aperto anche la mattina dalla 10:30 - 13:00

L’INGRESSO E’ GRATUITO

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europea ed araba. Dotato di una tavolozza cromatica e ricca inventiva

compositiva fonde in sintesi mirabile l’avanguardia novecentesca e gli

umori, le passioni, i tormenti di questo scorcio di terzo millennio. La

duttilità e l’immediata consonanza lirico espressiva che si riesce a

percepire come metafisica dell’arte, propone un itinerario che rifiutando il

nichilismo torna al sentiero della pittura del fare arte e del fare bellezza

intesa, questa, come ricostruzione dell’armonia universale del ciclo

atemporale che rimanda all’origine, al chiedere soccorso alla musa, agli dei

per proclamare una irripetibile individualità. Le creazioni non solo

pittoriche di Ramon  sono nella ricerca di senso, nel sentiero della

conoscenza, nella fame gnostica che però rivaluta il mondo, il cosmo,

l’Essere che creando vuol far ricreare gli uomini, vuol fare dell’artista un

nuovo facitore di ponti un nuovo umano demiurgo in grado di rivalutare e di

considerare. La giovane età di Ramon non inganni: egli è già nel solco di

una luce che tende con la sua pittura, con la sua umanità alla totalità.

Tommaso Romano

Per sapere tutto di lui visitate il sito :

http://www.hamidiramon.com/Il_sito_di_Ramon.html

Laureato con Lode alla facoltà trentina di Giurisprudenza, per anni ha portato avanti la propria ricerca artistica in maniera autonoma; nel 2007 ha iniziato a frequentare il corso di Tecniche pittoriche presso l’Accademia di Belle Arti G.B. Cignaroli di Verona, sotto la guida di Silvio Lacasella.

A partire dal 2006 ha cominciato a prendere parte a concorsi e rassegne anche di livello internazionale, ottenendo riconoscimenti e un generale apprezzamento di pubblico e di critica. Nello stesso anno conosce la curatrice Delia Gianti, con la cui galleria torinese D.GALLERY inizia a collaborare dal 2007, partecipando tra le altre cose alle edizioni 2008 e 2009 di KunStart – Fiera Internazionale dell’Arte Moderna e Contemporanea di Bolzano.

LA SUA RICERCA:

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Ho iniziato il mio percorso artistico aspirando all’iperrealismo. Guardavo soprattutto alla grande pittura caravaggesca, tentando di ripercorrerne gli approfonditi studi dei rapporti tra luci ed ombre e di coglierne l’acuta capacità di introspezione psicologica.

Ben presto, tuttavia, ho sentito fortissima l’esigenza di sperimentare un diverso genere di pittura, più gestuale, forse più “drammatico”. Ho dunque accantonato i fondi lisci e ho cominciato a preparare le tele in modo “materico” – attraverso l’utilizzo di gessi e l’applicazione di carta e sabbie – così da poter lavorare su una superficie che mi permettesse di esternare quel carattere inquieto che avrei voluto far trasparire dai miei dipinti; allo stesso modo, l’aspirazione ad una maggiore espressività mi ha portato, in modo non del tutto consapevole, verso una deformazione sempre più accentuata dei soggetti rappresentati.
L’Uomo è in assoluto oggetto privilegiato della mia indagine. Essere che sempre più si scompone, si trasfigura, fino a diventare soltanto essenza. Le figure si fanno spettri, muti, inconsapevoli di loro stessi. Semplicemente, presenze.

SU DI LUI:

Artista fresco che si propone con la purezza di un fanciullo, cattura lo sguardo di chi osserva e violentemente lo pone davanti alla durezza dei suoi dipinti, fatti di Messaggi, Attese e Segreti Sussurrati…

La “Bellezza che sottomette il Tempo”, un tempo che si propone ai nostri occhi in maniera calda e crudele; un tempo che si paralizza di fronte alla bellezza ed alla verità di immagini dipinte che resteranno in vita per sempre.

Sofferenza, precisione, passione nella sua pennellata, tra un continuo gioco di luci e di ombre per scavare e portare in superficie gli infiniti mondi interiori dei soggetti rappresentati.

Un universo in evoluzione e tutto da scoprire è l’opera di Jacopo Dimastrogiovanni.

Dot.ssa Simona Gatto

Proprio da quest’ultima partirà quest nuova avventura presentando uno degli artisti che ha portato alto il nome dei disegnatori del Fumetto popolare Italiano in tutto il mondo, Roberto Diso!

Roberto Diso è nato a Roma il 16 aprile 1932. A ventidue anni, collabora con Il Vittorioso, poi lavora a lungo in Inghilterra, per la Fleetway, e in Francia, dove realizza per le Éditions Aventures et Voyages le serie Lancelot e Dan Panther.

Nel 1974, avviene l’incontro con Sergio Bonelli, che gli affida due episodi apparsi nella Collana Rodeo, quindi lo coinvolge nella lavorazione di Mister No, personaggio che Diso rimodella, introducendo sensibili modifiche rispetto alla versione di Gallieno Ferri. Per Mister No, di cui è il principale disegnatore, Roberto Diso realizza anche le copertine a partire dall’albo n. 116, La valle dei morti, raccogliendo il testimone lasciato da Ferri.

Su L’Eternauta compare nel 1992 un breve racconto illustrato da Diso su testi di Alfredo Castelli per la serie Zona X presenta, mentre per Comic Art, qualche anno prima, Roberto Diso aveva illustrato Rudy X, scritto da Rinaldo Traini.

Pur continuando la sua trentennale collaborazione alle copertine e ai disegni di Mister No, nel 2003, con il Maxi Tex di quell’anno, inizia la sua incursione nel mondo del Ranger bonelliano, che prosegue, successivamente, con le avventure realizzate per l’Almanacco del West 2004 e per il Maxi Tex 2007.

Conferma pienamente le aspettative il giovane artista emergente di Ronciglione Stefano Cianti, che sabato 6 dicembre ha inaugurato la propria personale presso il Palazzo Delle Maestranze. Grande partecipazione di pubblico giunto dai paesi limitrofi e dalla capitale per vedere le 30 opere inedite di colui che ha realizzato con la sua società l’intero progetto decorativo del palazzo. Una ricerca intima e complessa che ha ottenuto grande consenso di pubblico, sia addetti ai lavori e non. Un successo che ci rende particolarmente felici perché premia l’impegno che si sta operando per rendere il Palazzo delle Maestranze un’importante polo culturale del Viterbese e non solo. Una mostra molto suggestiva che racconta l’artista in tutta la sua capacità tecnica ma soprattutto espressiva. Basta guardarsi intorno per assaporare la tecnica raggiunta negli anni in tutti i trompe l’oeil che decorano il palazzo e poi osservare i quadri per assaporare e essere colpiti da una comunicatività forte, decisa, mai assecondante ne fine a se stessa. Un percorso che parte dal figurativo informale per essere velocemente disgregato, dissolto, scomposto e diventare forma pura, colore, materia che definisce gli spazi.
Con gesti decisi, pennellate sicure e strutture che galleggiano nell’aria appropriandosi di una forma di leggerezza che è alla base di questa ricerca pittorica. La superficie diventa elemento strutturale dove il bianco è il punto di incontro tra il pieno ed il vuoto, tra il compiuto e l’incompiuto.
Di grande effetto la serie composizioni, essenziale e completa allo stesso tempo, la tavolozza dei colori (ad olio) fa vibrare le tele impossessandosi dell’ambiente espositivo.
Hanno suscitato notevole interesse di pubblico e di critica in particolare “l’incontro” dove due corpi, due amanti in primo piano celano una città decadente, un ‘inno all’amore dove non è la figura a dare lettura di se, anzi essa è quasi annullata dalla luce, quanto piuttosto la forma, il gesto, il romanticismo decadente. Le composizioni come sopra citato, campiture decise e sofferte ma piene di una speranza ce si ritrova nella scelta cromatica, opere che vanno guardate osservate, lette, assorbite, e magari dove ritornare per una seconda volta, perché mai banali. La grande composizione , opera imponente esposta nella sala delle Arti e dei Mestieri, ultimo lavoro realizzato per la mostra in questione “Incrocio di Percorsi” : esprime la chiusura di questa ricerca nel miglior modo possibile, senza freni, senza voler mai piacere , ma piuttosto volendo essere se stesso sempre, tra i propri equilibri e squilibri che il percorso dell’arte richiede a chi si dedica totalmente ad essa, una struttura dove un piano rosso in profondità è l’unica nota di colore oltre il bianco ed il nero, una piccola drammaticità ma in fondo chi non ha un piccolo dramma da raccontare nella propria esistenza?

Tutti gli eventi del palazzo delle maestranze sono ad ingresso gratuito

La mostra si potrà visitare fino al 21 dicembre tutti i giorni dalle 17:00 alle 20:00 e la mattina (ven-sab-dom) dalle 11:00 alle 13:00.

Possiamo ospitare anche gruppi con visita guidata al palazzo totalmente gratuita si richiede prenotazione anticipata contattando il 339/1860669 (Alessandro Vettori).

Anteprima della mostra per i nostri lettori:

Dal 6 al 21 Dicembre Stefano Cianti esporrà i suoi lavori inediti. Il giovane d’età ma con un lungo percorso Artistico-lavorativo alle spalle, è uno dei progettisti Decorativi del Palazzo e colui che ha realizzato tutte le opere pittoriche in esso raffigurate. Passeggiando per le sale espositive sarete immersi tra gli affascinanti contrasti visivi dati dall’apparato decorativo in puro stile settecentesco e la sua ricerca intimista, che ne esprime non solo la tecnica ma l’estrema sensibilità nell’utilizzo del colore, della luce e la decisione dei gesti.

Impulsivo in ogni  opera che realizza, per questa occasione ad Olio (solitamente noto per la sua non immediatezza), circa trenta lavori che partono da un figurativo informale per, lasciarsi invadere, pervadere e tramutare, metamorficamente parlando, sino a  DIVENIRE GESTO PURO, che si libera occupando la telaper  creare su di essa con materiche campiture di colore diversi piani. Un gioco di comunicazione tra nterno ed esterno, tra definito ed indefinito, per arrivare ad esportarsi su sculture volumetriche  che occupano gli spazi come monoliti dove l’artista esprme se stesso in un attimo fugace ma ben calibrato.

Un artista poliedrico, che ha sperimentato e continua ancora nella sua ricerca diverse tecniche, quali la scultura, l’istallazione, la ceramica artistica, la grisaglia su vetro, nel suo modo intimo e romantico, quasi borderlaine in un epoca dove si cerca la catalogalizzazione a tutti i costi questo artista riesce ad esprimere la sua normalità umana, quasi quotidiana, per raccontarci a contrasto il suo lato più intimo, più unico, dove veramente si può parlare di un’originale diversità!

Biografia:

Stefano Cianti nasce a Ronciglione il 17 Marzo 1974. Dopo aver conseguito il diploma di maestro d’arte nel settore “ceramica” presso l’istituto d’arte di Civita Castellana (VT) si iscrive all’Accademia di Belle Arti “Lorenzo da Viterbo” . Nel 1997 consegue il diploma di laurea presso l’accademia viterbese dopo aver trascorso, ai fini della stesura della tesi, un periodo di studio nella Nuova Accademia di Milano. Durante la permanenza nella città lombarda frequenta i corsi accademici dell’artista Emilio Isgrò titolare della cattedra di “Arti Visive” e partecipa ad una collettiva allestita nello “Spazio Yes” luogo messo a disposizione dall’Accademia milanese per favorire l’incontro e il confronto tra studenti di diverse nazionalità. Durante l’esposizione ha occasione di conoscere lo scultore Nagasawa e di frequentare i suoi corsi di scultura concettuale che lo incoraggiano ad approfondire il linguaggio dell’installazione artistica.

Nel 2000, spinto dall’esigenza di riappropriarsi di un linguaggio artistico-artigianale, si trasferisce a Deruta (PG) dove collabora con i migliori maestri ceramisti del luogo. Il ritrovato linguaggio della ceramica lo vede impegnato a rielaborare gli antichi decori derutesi (gli istoriati) in un’ottica del tutto personale. È in questo periodo che realizza la linea dei “monocromi seppiati”. Gli studi preparatori dei grandi artisti del Rinascimento vengono rivisitati, in questa produzione, con l’obiettivo di catturarne la freschezza del disegno attraverso l’utilizzo del color seppia .

Dal 2003 al 2007 prende parte a diverse mostre collettive a Roma e a Viterbo.

Dal 2007 è responsabile del settore “arte” nella società “Studio I.DE.A srl (Ingegneria,Design, Arte)” con la quale realizza un imponente progetto decorativo presso la città di Ronciglione: “il Palazzo delle Maestranze”(vistando il sito vedrete tutte le sue opere).

Attualmente vive e opera a Ronciglione (VT).

CRITICA DEL PROF. Francesco Drago:

Incrocio di Percorsi

La prima mostra personale di Stefano Cianti si apre nella sua città di nascita, sede dell’atelier di lavoro e delle prime ricerche.

In occasione di una delle performances cui ha dato vita a Ronciglione, ero stato colpito dalla fresca immediatezza dello svolgimento del racconto pittorico. Una pittura en plain air dal tratto forte e incisivo. Un naturale controllo della tela anche di grande formato. Volumi e figure di bella espressione creativa.

La sua richiesta di una breve presentazione delle opere da parte mia, è stato un gesto di stima nei confronti di un appassionato cultore della materia, già impegnato nel promuovere il Manifesto per le Arti Applicate del Nuovo Secolo e redigerlo insieme con Gabriele De Vecchi, protagonista a Milano nelle avanguardie in architettura (gruppo t) e in arte programmata e nuove tendenze. Lusingato ne ho accolto l’invito, e quindi effettuato diverse incursioni nel suo laboratorio.

Ho avuto così conferma della qualità della pittura di Stefano Cianti. Riconoscibile il suo segno artistico in ogni processo di esplorazione fissato sulla tela con abilità immediata. La capacità pittorica, non circoscritta dentro alcuna tendenza, riesce ad esprimersi entro circuiti iconici e aniconici attraverso trame cromatiche interattive, entrando ed uscendo con naturalezza tanto da varianti istintive quanto da varianti intenzionali e formali. Un universo di immagini, di volumi e di forme forti da estrarre dalle proprie pulsioni interiori per trasmetterle attraverso il mezzo visivo, sia esso pittura che superfici elementari bidimensionali dove il colore modella la forma scultorea.

Spontaneo nella sua ibridazione culturale del tutto naturale, Cianti inizia ad esprimersi curiosando dentro la dialettica degli stili.

L’insieme dei lavori che ha scelto di esporre denota un cammino artistico avviato verso quel processo di maturazione artistica essenziale per una forma d’acquisizione progressiva di sé. Nel processo creativo non si avvertono titubanze. La vitalità pittorica non dissimula per indulgere a compiacimenti. E’ disinibita. Il linguaggio formale e materico è immediato. Stefano Cianti dimostra controllo e dominio dell’opera compiuta in sé, quindi unitaria. Al contempo, riesce a volgere la carica originale primigenia con la medesima forza nel neoespressionismo astratto delle sue prime opere aperte.

Di fronte al visitatore e al critico di professione, il percorso espositivo di questa personale, pur comprendendo un arco breve d’operatività artistica, offre una gamma differenziata di opere riunite per temi e linguaggi in modo da favorire una migliore leggibilità, e sottrarle a possibili critiche per discordanza dall’allineamento. Una mostra quasi da antologica per la varietà delle opere, non vincolata ad alcuna purezza formale tematica, ma che ben evidenzia la visibilità del filo rosso che collega le opere. Disposte in modo efficace, quasi a voler significare di un’unitarietà di tutti i frammenti d’insieme, queste sembrano sollecitare il visitatore a interloquire nello spirito della bipolarità dell’atto creativo dell’artista descritto da Marcel Duchamp.

Il filo rosso di collegamento si dipana dalla visibile istintività della creazione trasferita sulla tela con rapidità e spontaneità e si materializza nella grande capacità di tensione espressa dalla forza gestuale del segno, anche quando questo non si esprime nella drammaticità rievocativa come nella grande tela dal simbolismo contenuto nel sapore allegorico e mitopoetico di Amice vale. E’ un’opera ad olio musicalmente di timbro mahleriano. Un’inafferrabile luce della vita, l’impotenza della mani distanti da un corpo che inizia il viaggio verso il buio, la figura ormai priva d’appoggio che precipita nello sgomento dell’inconscio.

Sensibilità lirica ed intimista è altresì presente in due opere profondamente diverse anche nella tecnica, Metamorfosi dell’attore e Incontro.

La prima è una pittura su tela con intervento poetico di un amico. A mò di quinta da teatro, il lavoro a smalto ad acqua di Stefano Cianti declina la Metamorfosi dell’artista secondo le tecniche del racconto cinematografico. La sequenza narrativa muove dalla figura centrale dominante l’opera, e quindi è affidata a fotogrammi che colgono nella loro scansione passaggi e atti di un linguaggio scenico reso più drammatico nei particolari anche per l’intervento poetico che fissa i messaggi.

La seconda opera, Incontro, ha invece un suo brio romantico, una luce avvolgente che emerge da un’ampia e variegata campitura cromatica. La pittura ad olio sviluppa l’elegante gestualità delle figure attraverso grandi pennellate e strati di colore, affidando anche ad alcuni inserimenti materici effetti altrimenti ottenibili. Dominanti sullo sfondo le dinamiche psicologiche.

Le possibilità espressive e psicologiche del mezzo pittorico, in pennellate dense di colore e di strato materico, esaltano l’impianto figurativo degli oli su tavola che hanno come protagonista assoluto la fisicità del corpo di un artista colto in quattro diversi momenti. L’ordito disegnativi delle quattro figure, graffiate o in dissolvenza o anche acefala, esprime l’interesse genuino di Cianti in questa ricerca e ne rivela la sapienza disegnativi nell’utilizzo della densità della materia .

Il ritmo di questi lavori è scandito da una composizione dove ordito disegnativo e cura estetica della fisicità della figura si avvertono ben definiti nella mente dell’artista, e li si colgono nella umanizzazione dei volumi, delle linee, del colore e del tono.

Atmosfere immateriali sono espresse nelle opere di sapore neoespressionista astratto Composizioni. Colori ad olio diversi per spessore e zona sono disposti sulla superficie pittorica di tele preparate con sabbia per effetti di texture. Con concentrazione su alcune forme essenziali ricorrenti, il lavoro artistico è incentrato su spazio e profondità, quest’ultima conseguita mediante l’effetto del gioco tra volumi. Cianti riesce ad esprimersi con quello che gli artisti definiscono “il fascino del mezzo”, muovendo da una pittura tonale sulla quale sono poggiate punti di luminosità.

E l’interesse al mutamento del risultato, infine, è in un interessante realizzazione di quattro oli su tela dove colore più gesto danno come risultato la struttura. E da questa alternanza di spatola e pennellate che rappresentano il punto d’origine, Stefano Cianti trae dieci derivazioni di tipo scultoreo su supporto ligneo preparato con smalti e sabbia, su cui lascia viaggiare l’intervento pittorico recto verso.

Quasi ad affermare che la narrazione pittorica può proseguire in forme scultoree capaci di generare veri effetti illusori.

Da questa capacità di Stefano Cianti di evolvere liberamente, rivelando i segni della sua personalità in itinere in una prima personale coraggiosamente dentro la dialettica di stili colta con Incrocio di percorsi, la sospensione tra figurazione e astrazione maturerà la crisalide che uscirà fuori dal bozzolo del delicato ma elegante equilibrio proposto.

Francesco C. Drago

Nato in Piemonte. Vive a Roma. Genitori attori. Figlio d’arte. Padre siciliano, madre veneta. Pittore, scultore, attore, poeta. Formazione classica. È nella sua giovinezza in varie compagnie teatrali.
E’ primo attore giovane con il cavaliere Mario Ruta. Sostituirà Gian Maria Volontè interpretando Aligi ne “ la figlia di Jorio” di D’Annunzi. È Romeo con Shakspeare, è Paolo nella “ Francesca da Rimini”, è Cecco nel “Beffardo” di Nino Berrini, è l’Antenato nel testo di Carlo Veneziani e mille altri. A vent’anni forma il “suo” teatro tenda con compagnia propria che condurrà fino al 1968, poi si dedicherà non più al tetro e alla regia ma solo alla pittura e alla scultura. Le sue opere si trovano in tutta Europa e in America e in America, dal Canada alla Florida, dalla Nuova Zelanda all’Australia. Ha esposto all’Export Art di New York, a Miami e a Saratsota (Florida) e in quasi tutte le città Italiane.
Ha avuto gallerie a Fiuggi, Chianciano, Spoleto, Assisi, ecc.
Ha un suo studio-mostra permanente a Orvieto e a Roma, al suo attivo molteplici presentazioni ai colleghi pittori.
Autore di cinque libri pubblicati in bilingue sempre presenti nelle sue esposizioni.
Arnoldo Foà e Vittorio Vettori presentano negli anni ottanta il libro “Shakespeare di Verdirosi” alla libreria Remo Croce a Roma.
Verdirosi è maestro di se stesso, spirito libero, si definisce un moderno non modernista… La sua arte, la tematica, i suoi simbolismi, il suo slogan ( l’arte intesa come messaggio), le polemiche, il manifesto, il necrologio al critico d’arte presentano un’artista libero da preconcetti e da mistificazioni culturali e artistiche. Tutti i suoi libri sono dedicati a Osho, che Verdirosi considera il suo maestro cosmico. Non è credente, non è ateo, vuole solo essere: libero di essere. Segno zodiacale Toro, ascendente Ariete.

Dalla Redazione:

Il modo migliore per Conoscere Verdirosi è sicuramente attraverso le sue opere, leggendo con attenzione i simbolismi apparentemente espliciti ma ricercati. Se on si conosce però l’uomo, l’artista poiedrico, non si ascolta il suono della voce, la sua maniera di esporre le proprie opere forse questo Artista lo conoscerà soo a Metà. Verdirosi ama spiegare le sue opere ma ama farlo tramite il teatro, la mascherà e l’ironia che traspare guardando il suo autoritratto, quel sorriso tagliente, il viso e lo sguardo taglienti, che danno vita a quella farsa teatrale che potrebbe essere la vita.

Consigliamo di visitare il sito multimediale, e di cercare su You-tube i molti video del maestro che ce ne danno un immagine libera e sicura di se, l’immagine di chi ha scelto di non scendere a compromessi per dichiarare tutta la sua arte.

Buona Mostra a Tutti!

Per informazioni potete contattare la redazione a questo numero Cel. 339/1860669 Alessandro Vettori

Alcune opere di Verdirosi:

Per informazioni potete contattare la redazione a questo numero Cel. 339/1860669 Alessandro Vettori